Hola: Estamos acabando la evaluación y como resultado terminamos también el Barroco musical, uno de los períodos más interesantes de toda la Historia de la Música. Una pena. No queremos dejarlo sin antes hacer un breve repaso por el nombre de los compositores más importantes de este período. Observa este coggle, donde podrás recordar los protagonistas del siglo XVII. No están todos, por supuesto, pero es necesario recordar que el temario de Historia de la Música y la Danza es muy extenso. Si te parece que la imagen es pequeña y no la ves con detalle, puedes pinchar sobre ella y se abrirá la misma en pdf:
Ahora vamos con las definiciones. En otra entrada anterior hablamos de términos relacionados con la música instrumental. Pues bien, centrémonos ahora en la música vocal. Aquí tienes la definición de ARIA:
No incluimos el aria da capo, que queda para nuestros apuntes de clase. Ahora verás el término ORATORIO:
Interesante, ¿verdad? Por último, pero no por ello menos importante terminamos con la definición de RECITATIVO:
En 2º Bachillerato estamos viendo estos días el Impresionismo, un movimiento musical de gran trascendencia en la Historia de la Música, y tenemos una audición propuesta en el programa, cómo no, el Preludio a la Siesta de un Fauno. Primeramente puedes leer este breve comentario sobre la obra:
Ahora vamos a examinar los temas. El primero de todos, el famoso tema ondulante de la flauta formando un tritono, es uno de los símbolos del Impresionismo Musical:
De no menos importancia, sin embargo, son otros temas de la obra. Aquí tienes el segundo, en el oboe, que para algunos representa la aparición de las ninfas del bosque:
El tercer tema aparece en la sección central de la obra, en la madera, y luego en la cuerda. Podría simbolizar el cúmulo de emociones del fauno:
Puedes hacer además este pequeño juego, donde deberás encontrar las obras de Debussy:
¡Suerte! Y por último , pinchando AQUÍ, tendrás un ejercicio similar a los que podrías encontrar en el examen PAU.
No vamos a añadir nada nuevo a lo que se ha dicho y escrito sobre esta archiconocida sinfonía, uno de los símbolos del Romanticismo y de la Música Programática. Unicamente vamos a resumir y reproducir lo que dicen Plantinga, Einstein, Grout, Tranchefort, Alberdi (Laberinto), Casares (Everest), Echeverria (Magisterio Español) o Grau (Santillana). También, cómo no, hemos dejado hablar a la propia música y a la mismísima partitura, desde la edición de bolsillo de Dover. Todo ello, para comentar la audición del tema correspondiente de Bachillerato.
La Sinfonía Fantástica fue estrenada en la Sala de Conciertos del Conservatorio de París en 1830, y ya desde el principio suscitó vivas polémicas debido a su original orquestación y a su programa. Dijo Fétis al oírla (en palabras de Plantinga): "En una palabra, ví cómo carecía de ideas melódicas y armónicas interesantes, y he llegado a la conclusión de que siempre escribirá como un auténtico bárbaro, pero también pude comprobar cómo tiene un gran instinto para la instrumentación (...)"
El público recibió un panfleto a la entrada, o un folleto, como diríamos ahora, donde se explicaba la "historia" o el argumento, podríamos decir, de la Sinfonía: "El diseño de este drama musical, que carece de texto alguno, necesita ser explicado previamente. El siguiente programa ha de ser entendido como el texto de una ópera". Este es el principio de la música programática, que ya conocemos por otros autores como Liszt, y cuyos antecedentes remotos se encuentran en Las Cuatro Estaciones de Vivaldi y en la Sinfonía Pastoral de Beethoven.
El argumento se resume en lo siguiente: el artista, un joven enamoradizo y temperamental, se enamora de manera irremediable, y en una serie de escenas que constituyen la Sinfonía se le aparecen diversos cuadros de su amada: aparece en un baile (2º movimiento), en el campo (3º movimiento), y hasta en su propia ejecución a manos del artista (4º movimiento), que también sufre la guillotina por su asesinato. También la ve en un aquelarre de brujas, pero en estas últimas situaciones las escenas se producen entre sueños del propio autor, provocados por el opio.
Este programa, que ya Berlioz había ido desgranando en la prensa de manera dosificada en los dias anteriores al estreno, tiene tintes autobiográficos y se basa en la pasión que él mismo estaba sintiendo por la actriz Harriet Smithson, a la que había visto actuar en el papel de Ofelia.
La idea fija, o tema recurrente, simboliza la amada, y se manifiesta a lo largo de toda la sinfonía, sufriendo, eso sí, diversas transformaciones.Berlioz dice explícitamente en el Programa: "Cada vez que aparezca la imagen de la amada en la mente del artista, ello se relaciona explícitamente con un pensamiento musical".
Vemos su primera aparición (subrayado de azul) en el compás 72 del Primer movimiento:
Este tema aparece, como hemos dicho, a lo largo de toda la obra, a modo de motivo conductor o motivo identificativo, y simboliza también la obsesión del autor por su amada. Aquí lo tenemos al primcipio del 3º movimiento, en dos apariciones sucesivas:
Vemos que se trata de un motivo muy del gusto romántico, una melodía que tiene poco de cuadrada, lírica, en la cuerda, con reminiscencias de una obra suya anterior.
Los movimientos de la obra son los siguientes:
I. Ensueños y pasiones. El artista se siente como apoderado por una pasión, en parte favorecida por los efectos del opio, y con todas sus consecuencias. Esta pasión y esta obsesión se reflejan en el tema anteriormente citado. II. El baile.Este movimiento, en forma de vals, provoca una sensación de irrealidad, favorecido por la aparicion de las arpas, que resultan ser casi solistas en algunos puntos. III. Escena en el campo. Se ha dicho comunmente que este movimiento ha sido inspirado directamente por la Pastoral de Beethoven, puesto que consiste en una escena campestre con negros presagios al final, simbolizados por un trueno. IV. Marcha al suplicio. Este es el comentario propuesto para nuestra audición, y en él nos vamos a detener con un poco más de detalle. En él el autor sueña que ha matado a su amada y que es conducido al cadalso, siendo guillotinado (el efecto es espectacular). Está construido sobre dos temas bien diferenciados.
El primero, en Sol m,enunciado por la cuerda, es sombrío y lastimoso, en una escala descendente:
Aquí puedes escucharlo:
El segundo, contrastanto totalmente, es una fanfarria a modo de marcha (para conducirlo al cadalso), en Si b M. También puedes escucharlo a continuación:
Esta marcha está inspirada en una antigua marcha compuesta años atrás por el propio Berlioz y proporciona un contrapunto muy interesante en el conjunto del movimiento.
Después de momentos de gran tensión se acaba con el golpe seco de la guillotina, justo después de que el tema de la amada reaparezca en el clarinete que corta los temas anteriores, sobre todo el último.
Uno de los aspectos más destacados es , como hemos dicho, el de la instrumentación, donde destaca la aparicion del oficleide, la utilización de las cornetas y la progresiva ampliación del papel y el número de la percusión. Aquí vemos el principio de este IV movimiento:
V .Sueño de una noche de Sabat. El él el cadáver del protagonista es rodeado por espíritus y brujas, mientras se oye el tema omnipresente. Sin embargo este tema se combina con otro, que es el Dies Irae, repetido numerosas veces pero que por primera vez aparece en la tuba:
En conjunto podemos hablar de una sinfonía imprescindible, en la que la música se convierte en el vehículo más importante de la expresión de los sentimientos, con o sin la ayuda de la palabra.
Ahora, si quieres, puedes hacer un ejercicio similar a los que encontrarás en los exámenes PAU:
Vamos a hablar del segundo movimiento de esta sinfonía, subtitulada "la Sorpresa".
Haydn escribió un total de 104 sinfonfías, de las cuales las más conocidas son las doce últimas, llamadas "de Londres", porque allí fue donde el compositor se estableció a la muerte de su patrón.
Este segundo movimiento de la sinfonía comienza con un unísono en la orquesta, en una intensidad suave, donde se expone un sencillo tema por terceras.
El tema es repetido como un eco pero en sentido inverso, es decir fuerte la segunda vez, en el que Haydn pretendía burlarse de las personas que se quedaban dormidas en sus conciertos. De ahí el sobrenombre de "la Sorpresa".
En este tipo de Sinfonías del siglo XVIII los temas suelen exponerse de forma ordenada, en frases cuadradas y con modulaciones previamente preparadas. Ello es así debido al progresivo uso de la llamada Forma Sonata, que Haydn contribuyó a establecer en sus sinfonías y obras de cámara.
Observemos un esquema del plan temático del comienzo de la obra:
Los dos temas aparecen en distintos colores para ofrecer una visión más clara de su variedad.
Vemos, por una parte, la alternancia temática, muy típica del Clasicismo, y por otra la polarización de los temas entre la tónica y la dominante (estamos en Sol Mayor), que muchos autores señalan como un sentido de intensificación dramática de la música. En este caso añadimos además la subdominante como tercer elemento tonal.
Estos son los ejes fundamentales del Clasicismo: orden en la forma, regularidad en los temas y alternancia tonal.
El primer tema sobre todo se presenta como una sucesión simple de noas, como hemos dicho por terceras, de manera que no parece ofrecer sorpresa alguna al ouente. Como veremos en el vídeo que enlazamos más abajo, este tema se presenta de forma deliberadamente sencilla, es casi soso, de manera que el oyente pudiera pensar que no existe dificultad alguna en esta aparentemente secilla sinfonía. El elementosorpresa viene cuando Haydn, inspirado quizás por los avances de la orquesta de Mahnheim, introduce los matices de intensidad como parte de la obra y del tema. Haydn no cambia los temas, cambia las dinámicas de los temas.
A continuación presentamos un completo análisis del movimiento procedente de este vídeo de youtube:
¿Quieres ahora hacer un ejercicio similar a los que podrías encontrar en el examen PAU?
Este motete, Aucun vont, típico de finales del Ars Antiqua, no solamente tiene diferentes textos para cada voz, como corresponde a su época, sino que además está escrito en lenguas diferentes. Como vemos, el tenor está en latín (es gregoriano) y las dos voces superiores, duplum y trimplum, están escritas en francés. Es importante, como veremos más abajo, la elección del francés como lengua que defiende el amor en este contexto histórico.
Una característica de los motetes de la época es la enorme diferencia entre el triplum, o voz superior, y las otras dos: efectivamente, al ver el comienzo de la obra podemos apreciar que, quizás por tener el triplum mayor importancia melódica, es una voz con un ritmo más rápido, semejante según algunos al lenguaje hablado, mientras que la voz intermedia (duplum) y sobre todo la grave (tenor) se encuentran en valores mucho más largos. Esta última incluso podía realizarse con un instrumento y no con la voz, y a su ve< esel símbolo de la libertad que se va añadiendo a las voces, o sea, la libertad que poco a poco va apareciendo en la sociedad.
Incluso podemos apreciar que las cadencias entre las dos voces superiores no coinciden. Esta caracteristica es típica de los motetes medievales, compuestos "en capas", es decir, superponiendo las voces.
Esta imagen del principio de la obra ilustra lo que acabamos de decir:
(Fuente: GROUT; Historia de la Música Occcidental, 1, Alianza Editorial).
El tema de la canción se refiere al amor, aunque con letras y versiones diferentes. Es frecuente en la Edad Media este dualismo, según el cual un texto religioso sirve de base a un argumento completamente alejado de la religión.
Por otra parte encontramos un atisbo de relajación respecto a los rígidos modos rítmicos del principio del Ars Antiqua, y el texto se hace más fluido. Este asomo de libertad, por así decirlo, respecto a la música del Ars Antiqua puede ser apreciado sobre todo en el triplum, donde los rígidos modos rítmicos se relajan y no podemos hablar del uso de un modo concreto. Podemos hablar, siempre dentro de los cánones de la época, de un fluir rítmico y melódico libre.
Nos acercamos al Ars Nova.
Es esencial recalcar en este punto el derecho que adquiere la música profana, completamente diferente a la religiosa, y la independencia que consigue gracias a este tipo de composiciones, que confirman la existencia de otras inquietudes respecto a la música. Son un reflejo de una sociedad profanizada.
El amor profano, que es el tema del motete, se manifiesta de nuevo y de manera más clara en el triplum, donde se habla precisamente en francés (y no en latín o en otra lengua) de la defensa del amor. En este sentido podemos apuntar que las diferentes versiones sobre lo que es el amor divergen en el motete, puesto que en las otras dos voces se habla del amor de manera más "canónica", o sea, hablando de sus peligros o simplemente de manera moralizadora. Es el trimplum de nuevo el que marca la diferencia.
La sociedad de la Edad Media, musicalmente hablando, evoluciona desde una hegemonia casi absoluta de la música religiosa, que por otra parte era la que se copiaba y conservaba en los conventos, hacia otra nueva, donde el protagonismo del mundo profano y las lenguas romances hacen ver su sentido y existencia.
¿Quieres escucharla?
Por último puedes hacer un ejercicio similar al que podrías encontrar en la PAU,
Sederunt principes, el organum de Perotin, es uno de los más claros ejemplos de polifonía del Ars Antiqua.
Como comentario de la audición podemos decir:
- Es una obra polifónica, como corresponde a esta etapa de la evolución del arte musical medieval. Se trata en este caso de un organum a cuatro voces.
- Observamos que hay una voz que permanece estable, con valores largos, que sustenta toda la composición.
- Las voces realizan un diseño muy marcado, todas por igual, en un ritmo repetitivo. Existe además una costumbre arraigada en la época que consiste en el intercambio de voces o de motivos entre las voces.
- Relacionado con lo anterior podemos decir que todas las voces, exceptuando quizás la voz baja, se encuentran en la misma tesitura, son intercambiables.
- El estilo es melismático, puesto que observamos, al igual que ocurría a veces en el gregoriano, que una misma sílaba cubre muchas notas. Podríamos decir incluso que la duración de las obras es demasiado larga, teniendo en cuenta la longitud solamente de la sílaba "Se", que dura 46 compases.
- Las distancias predominantes entre las voces son de intervalos de quinta y de octava, lo cual otorga una sonoridad "hueca" a la obra.
Ésta es una imagen del comienzo de la obra:
Estos ejemplos de organa primitivos son muy interesantes para el desarrollo de la polifonía, pues nos ayudan a comprender el proceso compositivo posterior al gregoriano, en el que las voces se añaden poco a poco a una voz principal gergoriana.
Los organa constituyen un corpus fundamental previo a la construcción del motete. Además nos permiten identificar por primera vez a Perotin y Leonin, los primeros músicos conocidos al servicio de una iglesia o, como en este caso, una catedral (Notre Dame).
Puedes escuchar la obra:
Y Ahora... ¿Quieres hacer un ejercicio similar a los de las pruebas PAU?
El villancico es un género propio de España, nacido en el Renacimiento, que viene de la palabra villano (habitante de las villas) y que en su nacimiento no se relaciona con la Navidad como ocurre hoy en día.
Hoy vamos a analizar el villancico Hoy comamos y bebamos, de Juan del Enzina, cuyo estribillo dice:
Oy comamos y bebamos
y cantemos y folguemos
que mañana ayunaremos.
Como vemos, se trata de un tema festivo, es decir, profano, propio del Renacimiento, donde la música profana simboliza el triunfo del hombre como medida de todas las cosas, y el uso de la lengua vulgar, la separación en estilos nacionales frente a la unificación impuesta en religión por el latín.
Podemos ver un fragmento de la partitura en la imagen, donde apreciamos la textura polifónica y el ámbito reducido de las voces.
¿Quieres escucharla?
También puedes hacer un ejercicio similar a los de la PAU,
Estamos estudiando diversas música profanas del Renacimiento, y hemos empezado por el madrigal italiano y la chanson francesa.
En ambos casos se utiliza la lengua vernácula, de manera que vamos haciendo una separación marcada entre música religiosa y profana. Por otra parte el ritmo de las obras es más vivaz y nos alejamos del tactus para introducirnos en nuestro moderno compás.
Como vemos, durante el Renacimiento vivimos un momento de auténtico florecimiento de la música profana, que se convierte en el símbolo del refinamiento y la cultura para las clases elevadas.
¿Quieres escuchar el audio?
Después de la audición podemos decir:
- Es una composición pollifónica a cuatro voces, donde éstas se entrelazan y se relacionan estrechamente.
- El ritmo es marcado y constante.
- El tempo es rápido.
- Está escrita en lengua romance, en este caso francés, por lo que se trata, efectivamente, de una chanson.
- Presenta cadencias, reposos y frases bien delimitadas, no es un fluir continuo como habíamos observado en las obras religiosas.
- Las voces imitan el canto de los pájaros, de ahí el título, de manera que estamos ante una música de marcado carácter descriptivo.
Si quieres hacer un ejercicio similar a los de los exámenes PAU,
-No presenta ningún tipo de acompañamiento instrumental.
- Por la primera palabra, "Alleluia", se deduce que el canto es religioso.
- Además es modal, es decir, no tenemos la sensación de tonos mayor y menor actuales.
- El ritmo es libre, no podemos marcarlo según las reglas de nuestros compases actuales. Deducimos, por tanto, que es el ritmo de la palabra.
- Para cada sílaba hay un número indeterminado de notas, por lo cual es un canto melismático.
Esto nos ayuda a decir que se trata del canto gregoriano, el canto medieval más conocido durante toda la Edad Media, que se extendió durante los primeros siglos de propagación del cristianismo y que alcnazó su mayor esplendor en torno a los siglos VIII-X.
El gregoriano es un canto esencialmente religioso, ligado al culto y supeditado completamente a la palabra. Su nombre se debe precisamente a San Gregorio, el papa que unificó la liturgia y los cantos, dándole su carácter universal dentro de la Iglesia.
¿Quieres hacer un ejercicio similar al que podrías encontrar en la PAU?
Al escuchar esta obra podemos deducir: - Es una obra monofónica, es decir, a una sola voz. - Tiene un estribillo que va apareciendo a lo largo de toda la obra, intercalado entre diversas estrofas. - Presenta un ritmo muy marcado, en oposición al ritmo libre del gregoriano. Se trata de un ritmo repetitivo. - Nos encontramos con un acompañamiento instrumental. Esto nos dice que no se trata de una obra religiosa, a pesar de la letra (Sancta Maria). También es un indicativo de que la obra necesita un ritmo. - La melodía presenta un ámbito corto, y es fácilmente cantable. - Es una obra relativamente corta.
Deducimos que se trata de una Cantiga, una obra representativa de la España medieval y del reinado de Alfonso X, que se preocupó de recoger todas las cantigas existentes y de componer muchas otras. Las cantigas son únicas del territorio español y pudieron realizarse gracias al rico ambiente cultural existente en la época. Esta Cantiga Nº 100 es una de las más famosas del repertorio.
¿Quieres hacer un ejercicio similar al que podrías encontrar en el examen de la PAU?
